miércoles, 19 de junio de 2013

Animación en guerra: Nimbus Libere (Francia de Vichy, 1944)


Cuando se habla de la animación propagandística de la Segunda Guerra Mundial, generalmente se centra en lo salido de Estados Unidos, lo cual es lógico, ya que era por lejos la mayor industria de animación en dicha época. No obstante, se hcieron varias cosas interesantes en otras partes.

El de Nimbus Libere es especial por muchas razones: se hizo en un país del Eje, se hizo en un país que ya ni existe (la Francia de Vichy) y está protaginizado por aquellos personajes de la Edad de Oro de la Animación Estadounidense que todos amamos y en una forma no muy halagadora que digamos.


Cuando en 1940 la Wehrmacht atravezó el bosque de las Ardenas y ocupó rápidamente Francia, dividó el país en dos zonas: una en el Norte y el Oeste hasta la frontera española que pasó a ser parte de Alemania propiamente tal, y otra que fue conocida como Francia de Vichy, un estado títere de los nazis con su administración en el balneario de Vichy, a cargo del héroe de la Primera Guerra Mundial mariscal Philippe Petain, adempas de varios políticos franceses de ultraderecha. Fue disuelto tras la llegada de los Aliados en 1944.

Este corto de 1944, que dura poco más de un minuto, advierte a los habitantes del autodenomiado "Estado Francés" que los avisos de la Radio Londres son partocinados por judíos y que la llegada de los Aliados significaría la destrucción de Francia.


El corto en cuestión fue dirigido por Raymond Jeannin, del cual sólo sé que también trabajó en el corto La Nuit Enchantée, de 1943.

lunes, 17 de junio de 2013

Vino del Espacio Exterior [1953, VOSE]


Título original: It Came from Outer Space - Dirección: Jack Arnold - Producción: William Alland - Guión: Harry Essex (basado en un relato de Ray Bradbury) - Música: Herman Stein - Fotografía: Clifford Stine - Protagonistas: Richard Carlson, Barbara Rush, Charles Drake, Rusell Johnson, Joe Sawyer, Kathleen Hughes - Estadoundense - Estrenada el 25 de mayo de 1953 - Producida y Distribuída por Universal Pictures - Ficha en IMDb.


Breve sinopsis:

Un astrónomo aficionado, John Putnam, y su prometida Eilen Fields contemplan las estrellas en el desierto cuando una nave espacial atraviesa el cielo y choca contra el suelo. Justo antes de que un corrimiento de tierras entierre la nave, una misteriosa criatura emerge y desaparece en la oscuridad. Por supuesto, cuando Putnam cuenta la historia al sheriff, nadie le cree, pero pronto empiezan a suceder cosas extrañas... (FILMAFFINITY)

¿Y?


Los años cincuenta son considerados como la edad de oro del cine de Ciencia Ficción estadounidense, la cual se habría iniciado con Destination Moon y Rocketship X-M (1950). Este género, sumándose a los temores propios de su época tomaría relevo del cine de terror de Universal con títulos como The Blob (1958), The Thing from Another World (1951) o Invasion of the Body Snatchers (1956), por dar un puñado de ejemplos. Precisamente la vieja Universal (que poco después también se encargaría de El Monstruo de la Laguna Negra) debutaría en este mundo con la película que nos convoca: It Came from Outer Space.



Trata sobre la llegada de una nave extraterrestre al desierto de Arizona, la cual es advertida sólo por un astrónomo aficionado y una profesora, mientras que el resto de la gente cree que es un simple meteorito. Y los tripulantes de la nave saldrían para infiltrarse entre la gente, y claro...

Si bien no estamos hablando de Serie B ni mucho menos, se trataba de una producción económica, por lo que se debieron reducir costes. De todas maneras, la dirección de Jack Arnold (quien dirigiría después The Creature from Black Lagoon, Tarantula, This Island Earth y The Incredible Shrinking Man, entre otras) es muy buena, las interpretaciones son covincentes (especialmente la del protagonista, Richard Carlson) y los efectos especiales son de los mejor considerando época y lugar. Por cierto, se estrenó en 3-D.


El guión, basado en un relato de Ray Bradbury al principio es bastante tópico, pero con un desarrollo inteligente, y con un dramático y potente giro a lo El Día en que la Tierra se detuvo en el último tercio de la pelicula. El ambiente de pueblo chico (en este caso, una localidad en medio del desierto de Arizona) en el que se desarrolla la historia se transformaría en uno de los elemantos importantes del cine de CF de su época, y la atmósfera que Arnold le dotó a It Came... es muy especial.

http://www.4shared.com/file/zF-XCpPa/Vinoespacialrmvb.html?
http://www.4shared.com/file/Mpp-7fCO/Vinoespacialrmvb.html?

domingo, 16 de junio de 2013

Mad 171-200


miércoles, 12 de junio de 2013

Una película para ver: Hoppity Goes to Town


Hoppity Goes to Town (1941)
Dirigida por Dave Fleischer - Producida por Max Fleischer
Distribuída por Paramount - Estrenada el 5 de diciembre de 1941

¡Lean la primera y segunda parte!

Los hermanos Fleischer habían estado a la zaga de Disney, no por que el suyo se tratara de un estudio inferior, sino que el carácter conservador de Paramount no les dejaba innovar en varias cosas. Además que la distribuidora les obligaba constantemente a competir con la casa del ratón...

Pero Disney lo las tenía muy fáciles por entonces. Pinocho (1940) trajo cantidad de innovaciones técnicas que encarecieron mucho la producción, por lo que no fue rentable en su momento. Y claro, en noviembre de ese año, estrenaron aquella obra maestra que es Fantasia, que resultó siendo una mega-catastrofe en taquilla. Disney estaba contra las cuerdas, hasta que quebrarían poco después, y sólo podrían levantar cabeza produciendo propaganda bélica. Ahora les tocaba a los hermanos Fleischer mover.

Tras el exito de Blancanieves, en 1937, ellos se apresuraron a producir su propio largometraje: Los Viajes de Gulliver. Lo curioso es que pudieron ser los primeros del mercado en hacerlo, pero Paramount... ya saben como va eso.


Los Viajes de Gulliver se estrenó en diciembre de 1939, y si bien tuvo cierto éxito, tampco fue muy rentable debido a que el estudio debió costear la formación de animadores nuevos, y la apertura de un segundo estudio en Florida.

 

Algo curioso que quiero recalcar es el intento de imitar el estilo Disney (los liliputenses son muy parecidos a los enanos de Blancanieves, estrenada dos años antes) de lo cual me da la impresión de que vino desde Paramount, aunque no aseguro nada. Igual se nota la mano de los hermanos Fleischer, especialmente en el diseño de los liliputenses y algunos gags, pero se deja ver que no están jugando en su terreno. Eso sí... ¿Recuerdan cuando señalaba que los cortos de Popeye no eran fieles a la historieta en muchas cosas, pero lo eran a su espíritu de humor absurdo? Pues aquí la historia inmortal de Jonathan Swift paso de ser una ácida y misántropa sátira de la sociedad, a un cuento de hadas sobre dos reinos de enantos que de repente se encuentran con un hombre de verdad. De todas maneras mentiría si escribiera que no me gustó, aunque eché de menos la sátira despiadada, pero no era algo que pudieramos esperar...

Y en 1940 aparecería una serie nueva: Stone Age Cartoons:



¡Así es! Hay quien ha querido ver en esta serie de doce cortos estrenados en 1940 como un antecedente de Los Picapiedra. No se si sera tan así, pero es una serie de gags bastante ingeniosos.

Pero 1940 sería el año de una gran serie, considerada por muchos como la obra cumbre de la Edad de Oro de la Animación Estadounidense: Superman.

Este corto fue nominado al Óscar al mejor cortometraje animado
de 1941, perdiendo con el corto de Mickey Mouse Lend a Paw
(que no es tan bueno).

Serie cara como ella sola (costaba el triple que un corto de Popeye), es visualmente esplendorosa. La animación de enorme calidad, superior a tdo lo que se había visto por aquellos lares. mostraba la colección de innovaciones técnicas que Max Fleischer había desarrolado. Una obra maestra.

Terror in the Midway, último corto del superhéroe
producido por los hermanos Fleischer.

Claro que un proyecto tan caro era difícil rentabilizarlo, pero los hermanos Fleischer estaban enfrascados en su carrera por superarse a sí mismos y ser el mayor estudio de animación del mundo. Produjeron el spin-off de Guliver: Gabby.



El corto Raggedy Ann and Andy, en 1941:



Y finalmente el 5 de diciembre de 1941, endeudados hasta el cuello, se estrenó Hoppity Goes to Town. Dos días después, Pearl Harbor era bombardeada. Estados Unidos entraba en la Segunda Guerra Mundial.


Y es una gran película. Trata sobre un grupo de insectos que viven en un peladero en medio de la ciudad, el cual es expropiado a sus dueños por el banco, para posteriormente ser construído posterormente un edificio ahí. Entonces, los bichitos deben ingenárselas para no perder sus hogares y no ser arrojados a la calle. Es el primer largometraje de animación estadounidense con un guión original (y el último en mucho tiempo), con animación y banda sonora de calidad.

Pero, como había señalado antes, se estrenó en mal momento, con el mercado europeo cerrado y EE. UU. entrando en la guerra. Además, la relación entreambos hermanos se había deteriorado debirdo a un asunto de adulterio de Dave con su secretaria, lo que enfureció a Max. Dave entonces abandonó el estudio y partió a Columbia Screen Gems. En 1942, con el estudio arruinado, Paramount aprovechó este incumplimiento del contrato por parte de Dave para expropiar el estudio, que pasó a ser Famous Studios, a cargo de Seymour Kneitel, animador y yerno de Max Fleischer. Hay quien dice que esta jugarreta de Paramount fue para quedarse con los derechos de Popeye, lo que no me parece absurdo.

Famous produciría unos cuantos cortos más de Superman, pero se limitaría a explotar a Popeye y hacer unas cuantas series infantiles, con una calidad cada vez más baja hasta su cierre en 1967.

Los hermanos Fleischer tras separarse no harían nada muy relevante después, por desgracia. Acaso lo más relevante fue el corto de las Color Rhapsodies producido por Dave en 1943: Imagination, que fue nominado a un Óscar. Además de participar en los efectos especiales de Mi mula Francis, Millie, una chica moderna y Los Pájaros.


 Rudolph the Red Nosed Reindeer (1948), de Max.


Pero nada comparable a lo de años anteriores.

El hijo de Max Fleischer, Richard, sería director de cine, con películas como Veinte mil leguas de viaje submarino (1954), Viaje Fantástico (1966), ¡Tora, Tora, Tora! (1970) o Cuando el destino nos alcance (1973). Pero en sus ultimos años se dedicaría a que el mundo reconociera los méritos de su padre y su tía.

Ellos son geniales y no en vano a Max Fleischer se le considera "el decano de los dibujos animados". Hizo un montón de adelantos, y los dibujos que hizo junto a su hermano son de una creatividad desbordante,   siempre frescos y divertidos. Inventaron buena parte de la Edad de oro de la animación norteamericana... y  quién sabe cómo sería el Universo si Mr. Bug... hubiera tenido éxito.

Pero son muy grandes. Muuuy grandes.

 

viernes, 7 de junio de 2013

Cuando los mundos chocan [1951, VOSE]



Título original: When Worlds Collide - Dirección: Rudolf Maté - Producción: George Pal - Sydney Boehm, basado en el libro homónimo de Edwin Balmer y Philip Wylie - Música: Leith Stevens - Fotografía: John F. Seitz, Howard Greene - Efectos especiales: Harry Barndollar, Gordon Jennings, Faricot Edouard -  Protagonistas: Richard Derr, Barbara Rush, Larry Keating, John Hoyt - Estadounidense - 78 minutos, Technicolor - Estrenada en agosto de 1951 - Producida y distribuída por Paramount Pictures - Ficha en IMDb.



Breve sinopsis:


Tras confirmar los cálculos recibidos desde un observatorio en Sudáfrica, el astrónomo Dr. Hendron (Larry Keating) concluye que un planeta (Zyra) y una estrella (Bellus), se acercan peligrosamente a la Tierra, lo cual causaría graves desastres naturales. Hendron avisa al mundo sobre el peligro, pero es mirado con escepticismo. Tras conseguir financiamiento privado, inicia la construcción de una nave con la esperanza de que Zyra sea habitable, de manera de que se pueda iniciar un brote de civilización sobre la desconocida superficie de Zyra...

¿Y?

George Pal fue un inmigrante de origen húngaro que en los años treinta y cuerenta se dedicó a la animación en Stop-Motion con muñecos articulados (en plena edad de oro estadounidense, en la cual la reina indiscutida era la Cel Animation), creando la serie Pupetoons, la cual poseee entrañables cortos como Tulips Shall Grow o Tubby the Tubba. En 1949, tras ganar bastante prestigio con sus trabajos, abandona la animación  para dedicarse a la producción de cine fantástico y de Ciencia-Ficción, por lo cual sería mucho más conocido. Un mundo en el cual aprovecharía su expeciencia en el Stop-Motion para el uso de espectaculares efectos especiales. Y tras el éxito de Destination Moon, en 1950, se transformaría en uno de los nombres fundamentales del cine de CF de los años cincuenta.

Ya centrándonos en When Worlds Collide, partir diciendo que es una de mis películas favoritas, aunque ciertamente no creo que sea una obra maestra.

Como seguramente se imaginarán, el uso de efectos espaciales es magnífico, aunque afortunadamente no monopoliza la película. Memorables las escenas de los maremotos, especialmente aquella en la que se inunda Nueva York.


A Pal se le critica generalmente que el carácter cristiano de sus películas roza el sermón. Yo creo que tienen razón... en parte. En este caso, el paraelismo entre la nave del Dr. Herndron y el Arca de Noé va mucho más allá de la sugerencia. A mí me gusta cuando en la Ciencia-Ficción se ponen sobre la mesa temas morales y éticos, como es el caso de películas como The Day the Earth Stood Still o libros como La Guerra de los Mundos, por dar un par de ejemplos. El problema es que en estos dos casos se plantean unas inquietantes interrogantes que dan para pensar. En cambio, When Worlds Collide se dan afirmaciones muy categóricas, lo cual desalentará a más de alguno.

En ese aspecto resalta (y mucho) cuando en las escenas finales suenan coros celestiales, y párrafos de la Biblia entre medio. Esto a mí en lo particular me gustó, pero muchos lo encontrarán molesto. Muy molesto.

Además, el guión resultó ser bastante ingenuo. Considerando la difícil sutuación, es un tanto extraño ver como la gente ha enfrentado el tema con tanto orden. Uno esperaría que estallara el caos, pero no pasa gran cosa. Además, ese carácter de patriarca del Antiguo Testamento del astrónomo y la nobleza de muchos personajes, rayana en lo inverosímil; resultan, como había dicho, ingenuo.

Pero claro, de esto último se escapan dos cosas. Uno, el que probablemente sea el mejor personaje de la película. El capitalista Stanton (John Hoyt), un hombre duro, individualista, que financia al Dr. Hendron no con el altruísta propósito de preservar a la especie humana, sino el de salvar su propio pellejo. Dos, el dilema ético que implica el que sólo unos cuantos puedan salvarse. ¿Quiénes deben sobrevivir? Si el guión hubiera hecho énfasis en este tipo de cosas, estaríamos frente a una obra maestra.


El archivo está en formato.rmvb y pesa exactos 350 MB. Está partido en dos partes con File Splitter and Joiner.

martes, 4 de junio de 2013

Un monito para ver: Popeye the Sailor Meets Sinbad the Sailor (1936)

Maravilloso.

Popeye the Sailor Meets Sinbad the Sailor (1936)
Dirigido por Dave Fleischer - Producido por Max Fleischer
De la serie Popeye - Distribuído por Paramount
Estrenado el 27 de noviembre de 1937.

¡Hey! ¡Lean la primera parte!

Tras Popeye the Sailor, los hermanos Fleischer empezaron a producir una serie regular protagonizada por el marino. El primer corto fue el genial I Yam what I Yam, ese mismo 1933:


Y a diferencia de Betty Boop, Popeye tuvo bastante más éxito en el sector infantil, donde Disney era dueño y señor. 

Ciertamente, había muchas diferencias entre la comic strip de Segar y los cortometrajes. Mientras que en la serie de dibujos animados Brutus era un personaje regular, en la historieta sólo había hecho una aparición (y en ella, el hermano de Olivia, Castor Oyl, era un personaje importante). Y mientras que el Popeye de los Hermanos Fleischer era un empedernido consumidor de espinacas, el de papel detestaba las verduras y sólo las consumía ocasionalmente. 

Este es el original de una de las últimas tiras del Thimble Theatre 
dibujadas por Segar antes de morir de leucemia en octubre de 1938.

Pero la diferencia más honda era que en los cómics, Popeye pasaba por largas aventuras que duraban meses en los diarios norteamericanos, mientras que en celuloide eran mucho más cortas y siguiendo un esquema que todos conocemos (no siempre era así: los Hnos. Fleischer se escaparon muchas veces y cuando lo usaban era de manera muy creativa). No obstante, los cortos eran fieles al espíritu de humor absurdo propio de la tira cómica (¿Saben que me habría gustado? Una adaptación de las historias largas de Segar con el estilo visual y los gags de los Hermanos Fleischer. De tres genios como ellos sólo podía salir algo grande...).

Y por cierto, ¿que era de Betty Boop por ese entonces?

File:Betty Boop 1933 v 1939.jpg

Había perdido mucho con todo esto del Production Code y las metidas de cuchara de la distribuidora. Acaso su último corto importante fue Poor Cinderella, de 1934.


Este corto posee dos cosas en especial: está hecho en Cinecolor de dos bandas (pudo haber sido en Technicolor hecho y derecho, pero recuerden que Disney tenía un contrato exclusivo con este sistema) y es debut del sistema Tabletop, que crea un efecto tridimensional. Además, es considerado el inicio de los Color Classics Cartoons.

Esta otra serie, a diferencia de las dos anteriores, no presenta personajes fijos, sino que presenta cortos sin relación unos con otros, a imitación de las Silly Symphonies, encargada por Paramount para competir con Disney. No se trata del trabajo más importante del estudio neoyorquino.

Es que me cuesta mucho ver una historia de carácter emotiva 
con el estilo de dibujo y animación de los Hermanos Fleischer.

Igual hubo otros cortos importantes de esta serie, como Ants in the Plants (1940), Educated Fish o Hunky and Spunky, nominados a los Óscares de 1937 y 1938 respectivamente. Aún así, lo más importante que hicieron en ese entonces fue la fantástica sub-serie Popeye Color Special.

Se trataba de tres cortos que duraban el triple de lo habitual, en color, y con fondos que en su mayoría no eran dibujados, sino maquetas filmadas, lo cual da un efecto tridimensional que setenta y cinco después sigue siendo alucinante. El primero de ellos fue Popeye the Sailor meets Sinbad the Sailor, que está al inicio de esta entrada. Fue nominado al Óscar de 1936, perdiendo (de manera un tanto injusta a mi modo de ver) con el corto The Country Cousin, de las Silly Symphonies.                                                                                                              

Estos tres cortos son de un arte precioso, que a mi gusto son sólo comparable en su época a Blancanieves, y que se estrenaban en cines como un largometraje más.

El segundo de ellos fue Popeye the Sailor Meets Ali Baba's Forty Thieves, de 1937:


Y el tercero, Aladdin and his Wonderful Lamp, en 1938:


Aunque en realidad, lo que quería Max Fleischer era trabajar con un largometraje, pero Paramount se negó al considerarlo demasiado arriesgado. No obstante, tras el éxito de Blancanieves, en 1937, se apresuraron a estrenar el suyo propio, lo que inició una escalada frenética de gran animación, que llegaría a otra película y a una serie de acción considerada la obra cumbre de la Edad de Oro de la Animación Estadounidense. Pero de ello hablaremos en la próxima entrada.

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Por cierto, los cortos de Popeye de los Hnos. Fleischercon estas tres excepciones, eran en blanco y negro.  (Famous trabajaría con Technicolor, pero mucho tiempo después). Las versiones en color que dan en la televisión fueron coloreadas en Corea en los años ochenta. Esto a mí en lo particular me molesta mucho, ya que con el coloreado se pierden mucho los detalles en el dibujo, la animación y los fondos; y se echa a perder el trazo. Para que hagan la comparación, les dejo las dos versiones de Blow me Down, de 1933.

Versión original:


Versión coloreada:

lunes, 3 de junio de 2013

Un monito para ver: Minnie the Moocher (1932)


Minnie the Moocher (1932)
Dirigido por Dave Fleischer - Producido por Max Fleischer
De la serie Talkartoons - Música de Cab Calloway
Distriuído por Paramount - Estrenado el 11 de marzo de 1932.


Es 1919, y la animación apenas es una atracción de teatros y ferias. El cine sonoro todavía está lejos, y ciertamente no existen Mickey Mouse, ni Tom y Jerry; y el gato Félix recién había aparecido en septembre del mismo año. Tras inventar el rotoscopio, un aparato que sirve para "calcar" imagen real en animación, Max Fleischer, junto con su hermano Dave, son contratados por el estudio neoyorquino Bray Productions para una serie de cortos, Out of the Inkwell.


¡Así es! Y de yapa, habían nacido los híbridos de imagen real. Esta serie, protagonizada por el payaso Koko y el perro Fitz tuvo mucho éxito, por lo que en 1921 se independizan y forman los Out of the Inkwell Studios. 

En 1924 debuta la serie Koko Song Cart-tunes (muestra aquí), la cual, aún sin sonido, tenía la particularidad de incluír la letra de una canción en la cual una bolita iría indicando que parte de la letra iría cantando el público. Además, a partir de ese año empezaron a experimentar con el sonido, para lo cual usaron el sistema Phonofilm, del Dr. Lee Forest, el cual quebraría un tiempo después. Por cierto, el cortometraje My Old Kentucky Home fue el primer dibujo animado con sonido, incluso antes de Stemboat Willie.

Ya tras la llegada del cine sonoro, y con distribución de Paramount, producirían la serie Screen Songs, la cual era una suerte de sucesión de Koko Song Cart-tunes con sonido. 


Y la más conocida Talkartoons, protaginizada por el perro Fitz, ahora rebautizado como Bimbo, con el cortometraje Noah's Lark.


Y en Dizzy Dishes, de 1930, donde le pondrían novia, la cual seguramente ya conocen:


Así es. Betty Boop no nació como humana, sino como una antropomórfica loca de los años treinta. Aunque ya para Dizzy Red Riding Hood, de 1931 luciría el diseño humano que todos conocemos.


Y poco a poco le fue robando protagonismo a Bimbo, hasta que después de The Betty Boop Limited, en 1932, la serie pasaría a llamarse simplemente Betty Boop. 




Con respecto a Minnie the Moocher, se trata de uno de los últimos Talkartoons, y uno de los tres cortos de Betty Boop con música de Cab Calloway. Si me preguntan, es una genialidad, especialmente la parte de la cueva donde los hermanos Fleischer lucen un humor negro fantástico.

Otros cortos geniales son Snow White, The Old man of the Mountain (estos dos también con música de Cab Calloway), Red Hot Mamma, I'll Be Glad When You're Dead You Rascal You (con música de Louis Armstrong) o el increíblemente bizarro Betty Boop, M.D.


Mi favorito, si preguntan.




Aquí pueden ver detenidamente ese maravilloso final.


Pero desgraciadamente apareció la autocensura cinematográfica, y Paramount les pidió eliminar el humor negro y picaresco, lo que vendría a significar la desaparición de esto:


Y esto:


Betty Boop no volvería a tener la popularidad que tuvo a principios de los años treinta. Pero la aparición en 1933 de un popular personaje de historietas de Elzie Segar en uno de sus cortos iniciaría otra de las más grandes series de animación de todos los tiempos:


Pero de eso hablaremos en la próxima entrada.

domingo, 2 de junio de 2013

Un monito para ver: Árboles y flores (1932)


Flowers and Trees (1932)
Dirigido por Burt Gillet - Producido por Walt Disney.
De la serie Silly Symphonies - Distribuído por United Artists
Estrenado el 30 de julio de 1932.

Si bien no me parece el mejor corto de las Silly Symphonies, (un tema que da mucho para hablar) estaríamos de acuerdo en decir que este corto es una maravilla. Estrenado en 1932, fue el primer corto de animación en la historia en ser producido con Technicolor de tres bandas, lo que permitió tener una paleta de colores completa. Después de ello, Disney consiguó un contrato con el que usaría este sistema en exclusiva por dos años. Así, se conseguirían una ventaja técnica casi insalvable con los dempas estudios de dibujos animados de la época.

Además, posee el honor de ser el primer cortometraje de animación en ganar el Óscar a su (recién creada) categoría, ganándole a Mickey's Orphans y It's Got me Again!, esta última de la Warner. Es más, Silly Symphonies es la serie que más premios ha conseguido en su categoría junto a Tom y Jerry, ambos con siete galardones.

Y por cierto, no pueden perderse el homenaje que Osamu Tezuka rinde a este Flowers and Trees en su genial corto (¿o mediometraje?) Legend of the Forest: